Greta Garbo: la fèmina!

Damos comienzo a la mini serie de Divas, estrellas y estrellatos clásicos y contemporàneos del cine y las artes escènicas: sexta entrega GRETA GARBO: la fèmina!.

GRETA GARBO (1905-1990) Una leyenda del séptimo arte y una de las primeras superestrellas del cine de Hollywood. Greta Lovisa Gustafsson nació el 18 de septiembre de 1905 en la capital de Suecia, Estocolmo. Era la hija menor de Karl Alfred Gustafsson, un modesto trabajador de limpieza proveniente del mundo de la agricultura, y Anna Lovisa Karlson, una campesina recién llegada a Estocolmo que trabajaba como empleada de hogar. La familia Gustaffsson residía en un barrio humilde llamado Sodermalm. En su época adolescente se produjo el fallecimiento de su padre, lo que acrecentó la precariedad de sus condiciones económicas. Esto llevó a Greta al abandono de sus estudios y a un trabajo en una barbería. Poco después, pudo mejorar de empleo y se colocó en unos importantes grandes almacenes, en donde fue utilizada como modelo comercial en los anuncios de sus productos. Ese fue el impulso de la carrera como actriz de Greta Garbo.

Ante la ilusión desbordante de aparecer en esos cortos publicitarios, Greta se preparó y se matriculó en la Real Academia Dramática de Estocolmo para aprender interpretación.
Allí conoció a Frans Enwall, un profesor de la academia que recomendó a la actriz sueca al director Eric Petscher, con quien debutó en el cine con la película "Pedro el tramposo" (1921).
Tras unos comienzos en breves papeles, Greta alcanzó el estrellato gracias a uno de los personajes más importantes de su vida, el director Mauritz Stiller, quien le cambió el apellido y le aconsejó refinar su estética.

"La expiación de Gösta Berling" (1924) de Stiller, y "La calle sin alegría" (1925) de G. W. Pabst, hicieron de Greta Garbo un rostro conocido en todo el mundo. Cuando la Metro Goldwyn Mayer tentó a Mauritz Stiller, éste les pidió que también firmaran a su descubrimiento. Así lo hicieron y el debut americano de la actriz sueca se produjo con la película "El Torrente" (1925) de Monta Bell. A este film siguieron otros como "La tentadora" (1926) de Fred Niblo, "El demonio y la carne" (1927) de Clarence Brown, "Ana Karenina" (1927) de Edmund Goulding, "La mujer divina" (1928) -de ahí le viene el apodo- , dirigida por otro de los grandes nombres del cine sueco, Victor Sjostrom; "La mujer ligera" (1928) de Clarence Brown, "La dama misteriosa" (1928) de Fred Niblo, o "El beso" (1929), un título con dirección de Jacques Feyder.

Clarence Brown se convirtió en su director más usual y William Daniels su director de fotografía favorito. Sólo cabe decir que casi todas las películas de Garbo fueron fotografiadas por Daniels.
Durante este triunfal período sucedieron varios hechos importantes para Greta. Su mentor y protector, Mauritz Stiller, fracasó en Hollywood debido a su no domesticación ante los jerifaltes de la Metro, y tras dirigir varias películas de menor entidad regresó a su país para morir en 1928 a los 45 años de edad.
En "El demonio y la carne", Greta conoció a John Gilbert, quien se convirtió en su pareja durante largo tiempo en una fría relación debida a las tendencias bisexuales (con mayor predilección por las féminas) de la diva sueca.

La llegada del cine sonoro publicitada por el estudio con la frase "¡Garbo habla!" no perjudicó en absoluto el glamour y status estelar de Greta, y su exitoso debut en las películas habladas con "Anna Christie" (1930) fue el más claro ejemplo. De nuevo bajo dirección de Brown, supuso su absoluta consagración como actriz, pues fue nominada al Oscar, lo mismo que por su actuación en su siguiente película, "Romance" (1930), también de Clarence Brown.

El cine sonoro sí que había sido una criba para su amante, John Gilbert, quien debido a su voz poco acorde con su imagen de galán no pudo triunfar como en su pretérito período de esplendor y se retiró del cine en 1934. Murió dos años después.
La vida amorosa de Garbo se volcó en el aspecto femenino, con compañeras como Bárbara Kent, Marie Dressler, Paulette Duval y, sobre todo, Mercedes de Acosta.
Tras "Inspiración" (1931), "Susan Lenox" (1931), en donde coincidió con un joven Clark Gable, Greta rodó algunas de las mejores películas de su carrera: "Mata-Hari" (1932) de George Fitzmaurice, "Gran Hotel" (1932) de Edmund Goulding, "La Reina Cristina de Suecia" (1933) de Rouben Mamoulian, la nueva adaptación de "Ana Karenina" (1935) de Clarence Brown, "Margarita Gautier" (1937) de George Cukor, "María Walewska" (1937) dirigida por el habitual Brown, y "Ninotchka" (1939) de Ernst Lubitsch, que fue presentada como "¡Garbo ríe!".
En 1937 fue nominada de nuevo al Oscar por su actuación en "Margarita Gautier" y en 1939 por "Ninotchcka", otorgándole finalmente la academia un Oscar de honor en 1954.
La última película en la carrera de Greta Garbo fue "La mujer de las dos caras" (1941) de George Cukor.
Tras este trabajo, la actriz sueca tomó la decisión de retirarse definitivamente del cine y de la vida pública, viviendo semirecluída en su casa de Nueva York, ciudad en la que murió a los 84 años el 15 de abril de 1990.

Extraído de El Criticon (link acá)

Filmografía

• Mr. and Mrs. Stockholm Go Shopping (1920)
• The Gay Cavalier (1920) – Intervino como extra no acreditada.
• Our Daily Bread (1921)
• The Scarlet Angel (1921) – Como extra no acreditada.
• Peter the Tramp (1922)
• The Story of Gösta Berling (La leyenda de Gösta Berling) (1924). Director: Mauritz Stiller.
• The Joyless Street (Bajo la máscara del placer) de Georg Wilhelm Pabst (1925)
• The Torrent (Entre naranjos) (1926), basada en la novela de Vicente Blasco Ibáñez
• The Temptress (La tierra de todos) (1926). Su primer trabajo en EE.UU.
• Flesh and the Devil (El demonio y la carne) (1926), con John Gilbert.
• Love (1927), con John Gilbert. Adaptación libre de la novela Anna Karenina.
• The Divine Woman (La mujer divina) (1928). Sólo subsisten nueve minutos de película.
• The Mysterious Lady (La dama misteriosa) (1928)
• A Woman of Affairs (La mujer ligera) (1928), con John Gilbert.
• Wild Orchids (Orquídeas salvajes) (1929)
• The Single Standard (Tentación) (1929)
• The Kiss (El beso) (1929)
• Anna Christie (1930). Primera película Sonora de Garbo, y su primera nominación al Óscar.
• Romance (Romance) (1930). Segunda nominación al Óscar a la mejor actriz.
• Anna Christie (1931). Versión alemana de la película del año anterior.
• Inspirtation (1931)
• Susan Lenox (1931)
• Mata Hari (1931)
• Grand Hotel (1932)
• As You Desire Me (Como tú me deseas) (1932)
• La reina Cristina de Suecia (1933). Director: Rouben Mamoulian.
• The Painted Veil (El velo pintado) (1934)
• Anna Karenina (1935). Premio del Círculo de críticos de Nueva York a la mejor actriz.
• Camille (Margarita Gautier) (1936). Tercera nominación al Óscar a la mejor actriz.
• Conquest (María Walewska) (1937)
• Ninotchka (1939). Director: Ernst Lubitsch. Cuarta nominación al Óscar a la mejor actriz.
• Two-Faced Woman (La mujer de las dos caras) (1941). Director: George Cukor.

Brigitte Bardot: libertè...

Damos comienzo a la mini serie de Divas, estrellas y estrellatos clásicos y contemporàneos del cine y las artes escènicas: quinta entrega Brigitte Bardot: libertè.

Brigitte Bardot nació un 28 de septiembre de 1934 en París. Hija de una familia de clase media, su padre era directivo de una empresa industrial y su mamá se dedicaba a organizar desfiles en una casa de modas; esto ayudó a la pequeña Brigitte a destacarse en las pasarelas, desde muy temprano.

Luego, en la adolescencia, Brigitte Bardot estudiaba en el Conservatorio Nacional de Danza con Boris Kniaseff. Apenas con 15 años conoció a un joven guionista y ayudante de dirección, Roger Vadim, con quien vivió su primer y apasionado amor. Fue una historia difícil la que vivieron los dos. Ella quería casarse antes de los 18 años y su padre se lo impidió. Se sabe que el día en que Roger fue a pedirle la mano, el padre de Brigitte lo esperó con un revólver en su escritorio y lo echó de su casa. Finalmente se casaron un 20 de diciembre de 1952 en el Registro Civil del distrito de Auteuil en París. Al año siguiente, ya era una estrella de moda.

Trabajó en la película Ladrones al claro de luna, polémica por sus escenas de desnudez. A ella siguieron películas como El gran seductor y Dichosa muchacha. A principios de los 60 ya cobraba cerca de un millón de francos para rodar su primer película protagónica, Y Dios creó a la mujer..., junto a su marido como director. Este film la consagró con muchísimo éxito, pero le acarreó grandes problemas en su vida matrimonial, lo que significó la ruptura con Vadim. Pero pronto se descubrió un romance muy breve y contradictorio con el protagonista de la película, Jean-Louis Trintignant, con quien convivió después de pedirle el divorcio a su marido.

Cuando tenía 45 años, la prensa francesa le contabilizaba 42 amantes. Entre estos podemos nombrar al cantante Gilbert Becaud (al dejarla por su esposa intentó suicidarse), el músico Sacha Distel o el actor Jacques Charrier (con quien se casó y tuvo un hijo el 11 de enero de 1960 llamado Nicholas). Al poco tiempo estuvo con el actor Sami Frey, por quien estuvo al filo de la muerte cuando se separaron, al igual que el mismo Sami, que intentó quitarse la vida. Muchos romances son los que formaron parte de su vida.

A los 39 años se retiró del cine. Para entonces había filmado más de 60 películas, y su figura entera había sido fotografiada unas 60 mil veces. Sus gestos, tan personales, estaban llenos de una sensualidad diferente, que no dejaba a nadie afuera; parecía buscar complicidad y picardías en el espectador. Su cuerpo hablaba en las fotografías, demostrando diversos mensajes continuamente.

Brigitte representó un movimiento hacia la libertad femenina que acaparó los años 60 en Francia. Pero claro, Brigitte sentiría un abismo de libertad que le producía manifestarse graciosa, simpática, hasta sensual, para no sentirse tan sola. Todo provenía de una gran necesidad de afecto, lleno de desgarradoras depresiones que ocasionalmente la llevaron a intentar varias veces quitarse la vida. Cuando cumplió 50 años dijo: "Lo difícil no es vivir; lo difícil es sobrevivir". Para entonces los animales llenaban su vida.

Filmografía 

• L'histoire de Colinot Trousse chemise (1973)
• Si Don Juan fuera mujer (1973)
• Las petroleras (1971)
• El bulevar del ron (1971)
• La profesional y la debutante (1970)
• La muñeca y el bruto (1970)
• Las mujeres (1969)
• Shalako (1968)
• A coeur joie (1967)
• Masculin-Féminin (1966)
• Marie-Soleil (1966)
• Viva María! (1965)
• Querida Brigitte (1965)
• Adorable idiota (1964)
• El desprecio (1963)
• Vida privada (1962)
• Le repos du guerrier (1962)
• Amores célebres (1961)
• A rienda suelta (1961)
• L'affaire d'une nuit (1960)
• La verdad (1960)
• ¿Quiere usted bailar conmigo? (1959)
• Babette se va a la guerra (1959)
• La femme et le pantin (1959)
• En caso de desgracia (1958)
• Les bijoutiers du clair de lune (1958)
• Una parisina (1957)
• La pequeña BB (1956)
• Y Dios creó a la mujer (1956)
• Deshojando la margarita (1956)
• Mio figlio Nerone (1956)
• Esta pícara colegiala (1956)
• La luz de enfrente (1956
• Helena de Troya (1956)
• Frou-frou (1955)
• Las maniobras del amor (1955)
• Un médico en la marina (1955)
• Futures vedettes (1955)
• La fille de Caroline Chérie (1955)
• Traicionada (1954)
• Un acto de amor (1954)
• Si Versailles pudiera hablar (1954)
• Le portrait de son père (1953)
• Les dents longues (1953)
• Manina, la fille sans voiles (1952)
• Le trou normand (1952)

Papel Mojado

Con rios

con sangre

con lluvia

o rocío

con semen

con vino

con nieve

con llanto

los poemas

suelen

ser

papel

mojado

Mario Benedetti

Lana Turner:"la chica del suéter"

Damos comienzo a la mini serie de Divas, estrellas y estrellatos clásicos y contemporàneos del cine y las artes escènicas: cuarta entrega LANA TURNER: la chica del suéter.

LANA TURNER (1920-1995) Una de las más arrebatadoras presencias femeninas de los años 40. De nombre auténtico Julia Jean Mildred Frances Turner, Lana nació el 8 de febrero de 1920 en Wallace, Idaho (Estados Unidos), pero pronto se trasladó con su familia a las soleadas costas de California. No demasiado buena estudiante, Lana fue descubierta para el mundo del espectáculo un día que se saltó las clases escolares que tanto aborrecía. Su belleza no pasó desapercibida y pronto se convirtió en una de las pin-ups más famosas de su tiempo (le llamaban "la chica del suéter").

En breve dio el salto a la gran pantalla interpretando un breve papel en la película "Ha Nacido Una Estrella" (1937) de William Wellman.
Mejores personajes logró ese mismo año con "The Great Garrick" (1937) de James Whale y "They Won't Forget" (1937) de Mervyn Leroy. Otras películas como "Andrés Harvey se enamora" (1938) fueron haciendo que la rubia Lana Turner consiguiera cierta notoriedad debido a su imponente físico, esa notoriedad se convertió en estrellato en su mejor década cinematográfica, los años 40.

Su primer matrimonio (de los siete que contrajo) fue en el año 1940 con el músico Artie Shaw, al que conoció en el rodaje de "Dancing Co-Ed" (1939). El enlace duró poco, ya que siete meses después de la boda terminaron separándose. En 1942 se casó con el actor Steve Crane ("Esta Noche y Todas Las Noches") de quien se divorció un año después para volver a contraer matrimonio otra vez con el propio Crane el mismo año de la separación. Mientras tanto su físico brillaba en títulos importantes como "El Extraño Caso Del Dr. Jeckyll" (1940) de Victor Fleming. En la Metro fue acreditada al lado de destacados compañeros de reparto masculino como Clark Gable en (entre otras películas) "Quiero A Este Hombre" (1941), con Robert Taylor en "Senda Prohibida", con John Garfield en la obra maestra "El Cartero Siempre Llama Dos Veces" (1946) o con Gene Kelly en "Los Tres Mosqueteros" (1948).

Su vida amorosa seguía en ebullición e inestabilidad tras su nuevo divorcio en el año 1944 de Crane y su posterior matrimonio con el millonario Bob Topping.
Su aparición en la citada "El Cartero Siempre Llama Dos Veces" le elevó definitivamente a superestrella, un status confirmado en los años cincuenta con "Cautivos Del Mal" (1952) de Vincente Minnelli, "Vidas Borrascosas" (1957) de Mark Robson o "Imitación A La Vida" (1959) de Douglas Sirk. Por su papel en "Vidas borrascosas" Lana obtuvo su única nominación al Oscar (la estatuilla fue para Joanne Woodward por el drama psicológico "Las Tres Caras De Eva").

Sus devaneos afectivos y problemas con la bebida seguían siendo protagonistas en las revistas sensacionalistas del momento. En el año 1953 se casó con el "Tarzán" Lex Barker (del que se divorció en 1957) y en 1958 estalló el gran escándalo con el asesinato de su amante Johnny Stompanato por parte de su hija Cheryl Crane. El juicio contra la hija de Lana resultó todo un acontecimiento, en especial por la publicidad de las cartas sexuales entre Lana y el gángster Stompanato en las cuales se ponía de manifiesto la excitada libido de la rubia actriz y su gusto por el sadomasoquismo. Su hija Cheryl (que había acuchillado a Stompanato) fue declarada inocente por homicidio justificado. Los años 60 comenzaron con otro cónyuge, Fred May, del que se divorció dos años después.

Su carrera cinematográfica después del escándalo tomó un camino descendente a pesar del tremendo éxito de "Imitación a la vida" (1959), ya que sus films de la década de los años 60 no estuvieron a la altura del trabajo de Sirk y tampoco fueron recibidos con alborozo en la taquilla.
Las apariciones de Lana Turner en el cine se fueron haciendo menos regulares con el tiempo hasta su retiro definitivo a principios de los años 80.
Lana continuó sin encontrar su pareja ideal y así fueron cayendo nuevos matrimonios con Robert Eaton (1965-1969) y el séptimo y último con Ronald Dante (1969-1972).
Además de sus matrimonios, la fogosa Lana Turner mantuvo romances con gente tan dispar como Howard Hughes, Clark Gable, Frank Sinatra, Errol Flynn, Fernando Lamas o Tyrone Power.
Murió el 29 de junio de 1995 en California víctima de un cáncer. Tenía 75 años. 

                                              Filmografía

• Ha Nacido Una Estrella (1937) (escenas eliminadas del montaje final)
• They Won't Forget (1937)
• La Pareja Invisible (1937)
• El Gran Garrick (1937)
• Las Aventuras de Marco Polo (1938)
• Andy Hardy Se Enamora (1938)
• The Chaser (1938) (escenas eliminadas del montaje final)
• Four's a Crowd (1938)
• Rich Man, Poor Girl (1938)
• Dramatic School (1938)
• Calling Dr. Kildare (1939)
• These Glamour Girls (1939)
• Dancing Co-Ed (1939)
• Two Girls on Broadway (1940)
• We Who Are Young (1940)
• Las Chicas de Ziegfeld (1941)
• El Extraño Caso del Doctor Jekyll (1941)
• Quiero A Ese Hombre (1941)
• Senda prohibida (1942)
• Te Encontraré En Alguna Parte (1942)
• Strictly G.I. (1943)
• The Youngest Profession (1943) (Cameo)
• Slightly Dangerous (1943)
• Show Business at War (1943)
• Du Barry Was a Lady (1943) (Cameo)
• Marriage Is a Private Affair (1944)
• Keep Your Powder Dry (1945)
• Week-End at the Waldorf (1945)
• El Cartero Siempre Llama Dos Veces (1946)
• La Calle Del Delfín Verde (1947)
• Cass Timberlane (1947)
• Homecoming (1948)
• Los Tres Mosqueteros (1948)
• A Life of Her Own (1950)
• Mr. Imperium (1951)
• La Viuda Alegre (1952)
• Cautivos Del Mal (1953)
• Mi Amante Brasileño (1953)
• The Flame and the Flesh (1954)
• Betrayed (1954)
• El Hijo Pródigo (1955)
• El Zorro de los Océanos (1955)
• Las Lluvias de Ranchipur (1955)
• Diane (1956)
• Vidas Borrascosas (1957)
• The Lady Takes a Flyer (1958)
• Another Time, Another Place (1958)
• Imitación a la vida (1959)
• Retrato En Negro (1960)
• Poseídos Ror El Amor (1961)
• Soltero En El Paraíso (1961)
• Who's Got the Action? (1962)
• Mil Caras Tiene El Amor (1965)
• La Mujer X (1966)
• El Terrón de Azúcar (1969)
• El Demonio de Sheba (1974)
• Bittersweet Love (1976)
• Conjuro de Brujas (1980)
• Thwarted (1991)

 Extraído de El Criticon (link Acá)

Gina Lollobrigida: Venus dall`Italia

Damos comienzo a la mini serie de Divas, estrellas y estrellatos clásicos y contemporàneos del cine y las artes escènicas: tercera entrega Gina Lollobrigida: la Venus dall`Italia.
(Subiaco, 1927) Actriz de cine italiana. Aunque sus orígenes fueron humildes, sus inclinaciones por el mundo del arte le acompañaron desde muy joven. Su padre era carpintero, pero consiguió que su hija ingresase en la escuela de Bellas Artes de Roma, donde estudió pintura. Incluso, durante una temporada, pensó en la posibilidad de ser cantante de ópera, pero la situación económica de su familia le obligó a trabajar en el mundo de las fotonovelas, que causaron un auténtico furor en la Italia de la posguerra europea.

Poseía una belleza rotunda y potente, muy del gusto de amplios sectores sociales, y en una época en la que en Italia existía una gran afición a lo que se denominaron las magioratas, mujeres de pecho generoso, amplias caderas y ojos deslumbrantes. Gina estaba dentro de ese grupo, pero no por ello carecía de distinción. Debutó en el cine con Aguila negra (1946), de Riccardo Freda. Un año después se presenta al concurso de miss Italia, quedando en tercer lugar (la ganadora fue Lucía Bosé). Poco a poco va escalando posiciones, de figurante a starlette, y de ahí a papeles de muchacha seductora y coqueta.

Su gran éxito se produce cuando el eficiente director francés Christian Jacques le llama para participar en Fan Fan el invencible (1951), una película de aventuras en el más puro sentido de la palabra, que obtiene una excelente acogida. Junto a ella, en el principal papel masculino, se encontraba Gerard Philippe, uno de los galanes y estrellas por excelencia del cine europeo de aquellos años. Él tenia 29 años cuando se estrenó la película, y ella contaba con 23. Compusieron una pareja ideal en la imaginación de un público que deseaba olvidar los desastres de una guerra que aún no había restañado su heridas.

Ese mismo año había sido llamada a Hollywood por el excéntrico pero inteligente Howard Hughes, que le ofrece un contrato por diez años. Sin embargo, tras varios meses de espera, Gina decidió volverse a Europa. Después de la acogida de Fan Fan el invencible, se produjo su consagración cuando rodó Pan, amor y fantasía (1952), de Luigi Comencini. Era ésta una comedia que dejaría una secuela. Lollobrigida era Pizzicarella, la cabeza loca del pueblo, la cual traía a su vez de cabeza al jefe de los carabineros de la localidad, papel asumido por un magnífico Vittorio de Sica. Su imagen de mito erótico se vinculó a esa figura de muchacha campesina, descalza, exuberante, a la que ella aportaba una dotes de actriz que contribuían a hacer más divertido su papel, que gozó de gran popularidad.

Los posteriores fueron sus mejores años. Rodó algunos de sus títulos más importantes, entre los que cabe destacar La mujer más guapa del mundo (1955), de Robert Z. Leonard, y Nuestra Señora de París (1956), con Jean Delannoy y Anthony Quinn en el papel de Quasimodo. Cuando el contrato que la ligaba a Hughes venció, la actriz italiana pudo pensar en volver a intentar la aventura americana. Ante ello había que ser realista: era una actriz aceptable, que en cierto tipo de papeles podía ser muy convincente y disfrutaba de simpatía entre el público, pero su mejor arma estribaba en el físico opulento y la sensualidad de su belleza. Por esa razón los estadounidenses pensaban en ella, pero para papeles muy determinados.

 Fuè en la reina en Salomón y la reina de Saba (1958), de King Vidor, una película que tuvo su particular historia: el papel de Salomón fue en un principio para Tyrone Power, galán de reconocido atractivo; pero Power falleció durante el rodaje, y hubo que volver a comenzar casi todo, esta vez con Yul Brinner como Salomón, en un rodaje que tuvo lugar en España. En Desnuda frente al mundo (1960), dirigida por Ronald McDougall, tuvo un papel que se adecuaba bastante bien a sus posibilidades. Tenía ya 32 años y su belleza iba ganando en sabiduría lo que podía perder en agresividad. De todos modos, como le ha sucedido a muchos actores europeos (en especial si no son británicos), sus posibilidades en el mundo de Hollywood nunca llegaron a cuajar, a pesar de lo que se esperaba de ellos. Buona sera, señora Campbell (1968), de Melvin Frank, sería su último éxito internacional.

Los años setenta situaron su carrera en un punto muerto. Trabajaba, pero sus títulos no rebasaban lo trivial. Fue entonces cuando comenzó a dedicarse a una actividad que, en cierto modo, enlazaba con sus tiempos de juventud: había estudiado pintura, y a lo largo de estos años se fue convirtiendo en una fotógrafa de gran talento y sensibilidad. Aunque su nombre y relaciones contribuían a abrirle puertas, no se puede negar, a la vista de sus exposiciones de fotografía, que Gina tienen una finura y una inteligencia que le permiten no ser exclusivamente una vieja gloria de un tiempo en que su belleza deslumbraba a los europeos y americanos.

En 1992, durante la exposición universal de Sevilla, Gina fue una de las artistas escogidas por Italia para mostrar su obra fotográfica en el interior de su pabellón, y la crítica reconoció que, aunque fuera popular por el cine, la fotografía era algo que dominaba aquella mujer que ya sobrepasaba los sesenta años. Gina ha hecho también apariciones en televisión como invitada especial en series de gran popularidad, como ha sido el caso de Falcon Crest. En Broadway tuvo una meritoria actuación en La rosa tatuada de Tennessee Williams. Su última intervención cinematográfica fue en Las cien y una noches (1995), de la directora francesa Agnes Varda. En la actualidad es una particular embajadora cultural de la república Italiana. Se casó dos veces, con Milko Skofic (1949-1968), y con George Kaufman en 1969.

Extraido de Biografias y vidas (link acá)

Dorothy Malone

Damos comienzo a la mini serie de Divas, estrellas y estrellatos clásicos y contemporàneos del cine y las artes escènicas: segunda entrega DOROTHY MALONE.

DOROTHY MALONE (1925- ) De morena o de rubia, Dorothy Malone fue una de las más atractivas presencias femeninas del Hollywood de los años 40 y 50. Dorothy Eloise Maloney nació en Chicago (Estados Unidos) el 30 de enero de 1925. Desde niña apareció en anuncios publicitarios y en su etapa estudiantil ya protagonizaba funciones teatrales. En el año 1943 debutó en pequeños papeles cinematográficos en la producción RKO "The Falcon and the Co-Eds" (1943), dirigida por William Clemens, y en el musical "Higher & Higher" (1943), un film con Frank Sinatra, Michele Morgan y Jack Haley como protagonistas principales bajo la dirección de Tim Whelan. A los 20 años de edad firmó un contrato con la Warner y recortó su apellido, convirtiéndose definitivamente en Dorothy Malone.

En la Warner alcanzó la notoriedad gracias a sus apariciones en "El sueño eterno" (1946) de Howard Hawks (película de cine negro en la que mantenía un inolvidable diálogo con Humphrey Bogart en una librería), en "Noche y día" (1946) de Michael Curtiz, en "La mujer preferida" (1948) de Raoul Walsh, en "Two guys from Texas" (1948) de David Butler, o en "Juntos hasta la muerte" (1949), un western dirigido por Raoul Walsh.

En los años 50 conseguiría su mayor estatus como intérprete gracias a su participación en el melodrama de Douglas Sirk "Escrito sobre el viento" (1956), película por la qu Dorothy ganó el Oscar a la mejor actriz secundaria. Algunas de sus películas más importantes durante esta década son "Drama en presidio" (1950) de Henry Levin, "Una herencia de miedo" (1953), película protagonizada por Dean Martin y Jerry Lewis y dirigida por George Marshall, "La calle 99" (1954) de Richard Quine, "Siempre tu y yo" (1954) de Gordon Douglas, "Artistas y modelos" (1955), título de Frank Tashlin en el cual volvía a coincidir con Martin y Lewis, "Más allá de las lágrimas" (1955) de Walsh, "El hombre de las mil caras" (1957) de Joseph Pevney, "Tip on a dead jockey" (1957) de Richard Torpe, "Ángeles sin brillo" (1958) de Douglas Sirk, o "El hombre de las pistolas de oro" (1959), western dirigido por Edward Dmytryk co-protagonizado por Henry Fonda y Anthony Quinn.

En los años 60 Dorothy Malone se volcó en la televisión con intervenciones en "Peyton Place" y apariciones estelares en series de éxito como "Los intocables" o "Las calles de San Francisco".
Los trabajos cinematográficos en las últimas décadas escasearon pero aún así se pudo ser vista en "El último viaje" (1960) de Andrew L. Stone, "El último atardecer" (1961) de Robert Aldrich, o "Escándalo en la playa" (1963) de William Asher.
Su última aparición en la gran pantalla se produjo en el "Instinto Básico" (1992) de Paul Verhoeven.
Dorothy Malone se casó en tres ocasiones. La primera en 1959 con el actor, ex marido de Ginger Rogers, Jacques Bergerac, un intérprete que aparece en "Las Girls" o "Gigi". Dorothy y Jacques se divorciaron en el año 1964.
Su segundo esposo fue el empresario Robert Tomarkin, con quien contrajo matrimonio en 1969. Esta boda, celebrada en Las Vegas, se anuló cuatro semanas después.
Su último marido fue el empresario de hostelería Charles Huston Bell, con quien se casó en 1971 y de quien se separó en 1991.
Ahora mismo, disfruta sus últimos años de vida en su mansión radicada en la ciudad de Dallas.

Filmografía

• El último atardecer (1961)
• El último viaje (1960)
• El hombre de las pistolas de oro (1959)
• Too much, too soon (1958)
• El hombre de las mil caras (1957)
• Ángeles sin brillo (1957)
• Escrito sobre el viento (1956)
• Las columnas del cielo (1956)
• Artistas y modelos (1955)
• Más allá de las lágrimas (1955)
• Cinco pistolas(1955)
• Infierno 36 (1954)
• La casa 322 (1954)
• Juntos hasta la muerte (1949)
• Noche y día (1946)
• El sueño eterno (1946)

Extraído de El Criticon (link acà)

Rita Hayworth (gilda y Orson Wells)

Damos comienzo a la mini serie de Divas, estrellas y estrellatos clásicos y contemporàneos del cine y las artes escènicas: primera entrega Rita Hayworth (La traición de Rita Hayworth de Puig suena de trasfondo)...

RITA HAYWORTH (1918- 1987) Rita Hayworth (de nombre auténtico Margarita Carmen Cansino) nació en Brooklyn, Nueva York (Estados Unidos), el 17 de octubre de 1918. Sus padres también se dedicaban al mundo del espectáculo. Eduardo Cansino era un bailarín español que había llegado a tierra norteamericana en el año 1913, y Volga Haworth trabajaba como showgirl para el empresario Florence Ziegfeld. Rita comenzó a destacar en el mundo artístico bailando al lado de su padre. Su belleza y talento no pasaron desapercibidos para los ejecutivos cinematográficos de la 20Th Century Fox, quienes la contrataron para que apareciese brevemente en varias películas a partir de mediados de los años 30.

Su título debut sin acreditar, en el que se exhibía bailando, fue "Cruz Diablo" (1934). Posteriormente intervino en "La nave de Satán" (1935), una película interpretada por Spencer Tracy y Claire Trevor que dirigió Harry Lachman.

En esta primera época de afianzamiento en la industria cinematográfica intervino acreditada como Rita Cansino en "Charlie Chan en Egipto" (1935), "Contrabando humano" (1936), o "El héroe de Texas" (1937), un western co-protagonizado por Tex Ritter. Rita no logró relevancia popular con sus trabajos para la Fox, lo que provocó que el estudio no le renovase el contrato. Poco después firmó con la Universal y conoció a una persona clave en su carrera, Harry Cohn. Cohn, con la avenencia de Rita y su primer marido, Edward Judson, le cambió el apellido Cansino por el de Hayworth (el de su madre pero con "y"), además de teñirle el pelo de pelirrojo mediante la electrólisis. Esta transformación fue fundamental para el sex appeal de la escultural actriz. "Siempre hay una mujer" (1938) de Alexander Hall, o "Who Killed Gail Preston?" (1938), película dirigida por Leon Barsha, fueron el preludio de uno de sus primeros trabajos importantes, "Solo los ángeles tienen alas" (1939), un film de Howard Hawks protagonizado por Cary Grant y Jean Arthur con el que Rita consiguió por primera vez hacerse notar entre la audiencia norteamericana.

Con este rodaje concluía la década de los 30 y comenzaba la que iba a ser su etapa cinematográfica más importante, los años 40.
A principios del decenio intervino en numerosas películas, como "Sangre y arena" (1941), película con Tyrone Power dirigida por Rouben Mamoulian, "The Strawberry Blonde" (1941), dirigida por Raoul Walsh con el co-protagonismo de James Cagney, "Desde aquel beso" (1941), musical con el gran Fred Astaire de compañero de reparto, "Mi chica favorita" (1942), como co-protagonista de Victor Mature, "Bailando nace el amor" (1942) de nuevo acompañada por Astaire, "Las modelos" (1944), junto a otro de los gigantes de la danza cinematográfica, Gene Kelly, o "Esta noche y todas las noches" (1945), título dirigido por Victor Saville.

En 1946 protagonizó su película más legendaria y la que haría de Rita Hayworth el objeto de deseo del público masculino, "Gilda", un film histórico dirigido por Charles Vidor y co-protagonizado por Glenn Ford, quien le propinaba una famosa bofetada. Rita interpretaba de forma sensual las canciones "Put the blame on mame" y "Amado mío". Sin embargo, la voz que sonaba no era la de Rita, sino la de Anita Ellis. A raiz de "Gilda", Rita Hayworth se convirtió en el gran sex symbol de los años 40 ("Los hombres se enamoran y se acuestan con Gilda y se levantan conmigo", decía la propia actriz), una sex symbol que en ese momento se encontraba casada con Orson Welles, con quien había contraído matrimonio en 1943.

Ambos coincidirían en una de las magistrales cintas del fenomenal director, "La dama de Shanghai" (1948). Welles, en pleno trámite de divorcio de Rita, tiño su cabello de rubio y le cortó su famosa melena rojiza.
Ese mismo año el trío Vidor, Ford y Hayworth intentaron repetir el éxito de "Gilda" con "Los amores de Carmen" (1948), pero no lograron conseguir su objetivo debido a la mediocre calidad de la cinta que adaptaba la obra clásica de Prosper Merimee.
En ese período Rita comenzó a relacionarse con el Príncipe Aly Khan, un multimillonario árabe con el que se casó en 1949.
Durante el tiempo que duró este matrimonio, la actriz de Nueva York se mantuvo alejada del cine para retornar tras su divorció en el año 1951.
El regreso se produjo de nuevo con Glenn Ford como co-protagonista en la película "La dama de trinidad" (1952), un film dirigido por Vincent Sherman.
Tras "La bella del pacífico" (1953) de Curtis Bernhardt y "Salomé" (1953) de William Dieterle, Rita regresó a la inactividad cinematográfica para casarse por cuarta vez, ahora con el cantante Dick Haymes.
El enlace matrimonial tampoco funcionó como se esperaba y terminaron divorciandose en el año 1955.
"Fuego escondido" (1957), un film de Robet Parrish en el que aparecían Robert Mitchum y Jack Lemmon, significó su vuelta a la gran pantalla.
"Pal Joey" (1957), película de George Sidney co-protagonizada por Frank Sinatra y Kim Novak, "Mesas separadas" (1958) de Delbert Mann, o "Sangre en primera página" (1959) de Clifford Odets, fueron otras importantes películas que Rita interpretó a finales de los años 50.
Su quinto y último marido fue el productor James Hill, con el que se casó en 1958 y se separó en 1961.
A partir de los años 60 su carrera como actriz se mostró irregular, principalmente porque comenzó a sentir los efectos de la enfermedad de Alzheimer.
Sus títulos fueron escasos y de escasa valía, entre ellos "La trampa del dinero" (1966), una película dirigida por Burt Kennedy con Glenn Ford de nuevo como compañero de reparto, o "La ira de Dios" (1972), un western realizado por Ralph Nelson que protagonizaba Robert Mitchum.
La enfermedad de Alzheimer terminó por llevarla a la muerte a la edad de 68 años el 14 de mayo de 1987.
Tuvo dos hijos, Rebecca con Orson Welles, y Yasmin con Aly Khan.
 

Filmografía

• Cruz del diablo (1934)
• La nave de Satan (1935)
• Charlie Chan en Egipto (1935)
• Contrabando humano (1936)
• Juego mortal (1937)
• Siempre hay una mujer (1938)
• Sólo los ángeles tienen alas (1939)
• Una dama en cuestión (1940)
• La pelirroja (1941)
• Sangre y arena (1941)
• Desde aquel beso (1941)
• Mi chica favorita (1942)
• Bailando nace el amor (1942)
• Las modelos (1944)
• Esta noche y todas las noches (1945)
• Gilda (1946)
• La diosa de la danza (1946), de Alexander Hall
• La dama de Shangai (1947)
• Los amores de Carmen (1948)
• La dama de Trinidad (1952)
• Salomé (1953)
• La bella del Pacífico (1953)
• Fuego escondido (1957)
• Pal Joey (1957)
• Mesas separadas (1958)
• Llegaron a Cordura (1959)
• Sangre en primera página (1959)
• El último chantaje (1962)
• El maravilloso mundo del circo (1964)
• Las flores del diablo (1966)
• El aventurero (1967)
• La ira de Dios (1972)

Extraído de El Criticon (link acà)

una leccion navideña

Armando barquitos de papel con los chicos de mi barrio, llueve a càntaros y no para de llover, la plaza de enfrente se empieza a inundar de a poquito poco, y sigo armando barquitos con papel de diario, asì grandotes y ràpidos los voy armando, los chicos se tiran en los charlos, entran y salen del pórtico de casa, tiran los barquitos y me agradecen por arbrirles la puerta.

Entre juego y juego, se cruzan del otro lado de la plaza, ven venir a un papà noel en moto, y gritan "papà noel, ahì viene, vamos a mojarlo, vamóoo".

En una motito con toldo y todo, con vestuario y decoración viene papal noel, apenas se acerca a los chicos, ellos insisten "papà noel, lo vamos a mojar lovamosamojar ehhhh" y el señor Papá Noel sin barba ni peluca les reponde: "pendejos pelotudos, culiados de mierda, no me mojen salgan de ahì, boludosss"

Postal cordobesa del espíritu navideño en algun barrio de la ciudad...

Copyleft 2009 /  Martin De Mauro 

Lalala Human Steps

teatro fisico: materialismo de los cuerpos danzarines

El teatro físico se conoce como una rama del llamado teatro contemporáneo, en el cual destaca el lenguaje físico como principal motor de la dramaturgia del espectáculo teatral, por sobre el texto y la narratividad, predominantes en el teatro tradicional de occidente.
A pesar de esto, su origen está arraigado en la Antigüedad, donde los ritos teatrales de oriente y occidente lograban la transformación del cuerpo cotidiano, en cuerpo escénico no cotidiano. Un buen ejemplo de estas prácticas era la comedia del arte, antigua manifestación físico-popular que hoy en día se vuelve a re-descubrir.

http://www.dv8.co.uk/

Horacio Potel y Nietzsche

"Lo que no me mata me hace más fuerte"

"Crepúsculo de los ídolos". Sentencias y flechas, aforismo 8 -Sánchez Pascual traduce: "De la escuela de guerra de la vida: - Lo que no me mata me hace más fuerte". Aparece también en "Ecce Homo"por qué soy tan sabio. Dedicado a la Cámara Argentina del Libro y a la embajada de Francia en la Argentina. En el día del cumpleaños 10 de "Nietzsche en castellano"

Porque "la lengua es fiel compañera de mi palabra y mi beso" como dice Gabi Ferro...

y porque si!

Convergence:adrien mondot!

diaboliè

paint animation - animation paint

La navidad es mentira!

 

Porque se celebra el cumpleaños de alguien que supuestamente existió, nadie lo conoció, pocos saben que existió y muchos menos recuerdan ese día; porque es una buena excusa para generar necesidades innecesarias tales como armar un arbol con luces o comer pan dulce y tomar sidra en verano;
porque les van a mentir otra vez a los chicos, cosa que volverán a hacer ellos con sus hijos, nomás porque está bien, es la costumbre; porque van a tirar fuegos artificiales y no va a faltar el quemado o el amputado;
porque los perros, incluso ese o esos a los que tanto aman, van a pasarla muy mal y, algunos de ellos, hasta pueden morir por razones cardíacas o de otra índole; porque drogarlos tampoco es la solución;
porque mantendrá viva la llama de la falsedad entre personas que se odian; porque gente que no siente lo suficiente por alguien como para regalarle algo (material o inmaterial) en cualquier momento de su vida se ve obligada a hacerlo en ese momento; y porque no se puede escapar de todo esto, les deseo la peor de las navidades y ojalá algún día terminemos con ésta y tantas costumbres que lo único que hacen es que la gente haga tantas cosas sin cuestionarse nada perjudicando y perjudicándose, por nada.
Los quiere.
el Grinch, digo, el Gonzi (?)

PD: Gracias por sus buenos deseos navideños pero, sinceramente, me la re soban

por Walter Godoy

(y su amistad con Loenor Silvestri)

James Thiérrée

Le panique

 "El Movimiento Pánico es una expresión artística que pretende anunciar la locura controlada como supervivencia ante una sociedad en crisis de valores (la sociedad posmoderna). Sus autores sugieren un universo barroco, preciso, de un mundo delirante y matemático; una mezcla de contrarios: de amor y odio, tragedia y comedia, mal gusto y refinamiento estético, el sacrilegio y lo sagrado, lo individual y lo colectivo; el ritual ceremonial: en actos trascendentales de la vida; la visión onírica, y a veces cruel y satírica de la vida, la sinrazón del mundo; la repetición de las cosas, a veces se concibe el tiempo de manera circular. “El objeto -escribe Arrabal- no es el de descubrir que es la confusión sino tan sólo lo que se puede decir sobre ella".

MOVIMIENTO PÁNICO

Junto con Fernando Arrabal y Roland Topor fundan en 1962 el "Movimiento Pánico", en alusión al dios Pan, el cual se manifiesta a través de tres elementos básicos: terror, humor y simultaneidad. "Entonces queríamos reírnos de la filosofía francesa, tan seria, aunque ahora, tal como está el mundo, deberíamos reírnos de la filosofía mundial, que no ha servido de nada", sostiene el propio Jodorowsky. Equivalente a pluralidad-ubicuidad, el Movimiento Pánico es una intensa búsqueda por trascender la sociedad aristotélica y dejar un legado que impulse a la humanidad a una nueva perspectiva. "El pánico es la crítica de la razón pura, es la pandilla sin leyes y sin mando, es la explosión de 'pan' (todo), es el respeto irrespetuoso al dios Pan, es el himno al talento... loco, es el antimovimiento, es el rechazo a la 'seriedad', es el canto a la falta de ambigüedad... Es el arte de vivir (que tiene en cuenta la confusión y el azar), es el principio de indeterminación con la memoria de por medio... Y todo lo contrario", explica Fernando Arrabal, Premio Nacional de Teatro 2001.

La coda del teatro pánico de Jodorowsky se cierra por ahora con "ÓPERA PÁNICA", la obra que concibió en familia alentado por sus hijos y que estrenó en Italia en 1993. "Mis hijos Brontis, Cristóbal y Adán son todos actores, de modo que montamos una pieza escrita hace años: "Ópera pánica". La llevamos a Italia donde causó furor, la gente ríe del comienzo al final. El éxito se debe a la calidad de la obra, de la actuación y porque somos una familia. Una familia actuando unida pocas veces se ha visto en la vida", en palabras del autor.

 Links Le panique

Opera pànica:cabaret trágico (guión) on line acà

Pàgina oficial Alejandro Jodorowsky acà

Pàgina oficial Fernando Arrabal acà

Textos de Roland Topor acà
Más Jodorowsky acà(videos) y aquì (biobiblografia)

 

feminismo y pornografia

PornoFeminista: aunque ud. no lo crea!
Es posible politizar aquello que a primera vista es pura misoginia, exclusiva propiedad falocentrica y masculinismo elevado a industria?. Sin apenas vincular con la carga moral y condenatoria en la que se representa la pornografía, como mirada obsena sobre los cuerpos, sus genitalidades, sus deseos, sus goces y sus sexualidades (siempre binarias y cisexuales por cierto), el porno merece su condena por principio, sea inclusive una retiscencia particular por parte del los feminismos (en una hermenéutica más específica aún). La pregunat serà, ¿es posible filmar, guinonar, representar y exhibir una pornografía distinta, una denudez de los cuerpos, géneros y sexualidades alternativa a la industria tan nefasta como negativa del porno?. Si al sintagma feminismo y pornografía parecía conducir a caminos divergentes y por lo mismo opuestos, he aquí un punto de encuentro entre ambos (los diarios sucios: porno feminismo), un resquicio y el comienzo de un debate que ya iniciáramos con porno y posporno en vínculo con Cippodromo.

Si bien uno podría preguntarse en un sentido bien acabado sobre como es representarse, hacerse que, jugar al teatro porno, aquel juego de operacions ya fijo y detallado sobre una performance prefijada con reglas ante puestas, lo que parece una industria tautológica en este mismo sentido, donde la estilistica reconoce un calendario y un muestreo actos finitos (y por lo mismo normatizantes). La apuesta será otros modos, otras performances, otros estereotipos, un lesbianismo no masculinizante (no por  condenar lo Butch) y falocentrico, una mirada no cosificadora sobre las mujeres, etcs,etcs.

Copyleft 2009 / WalterEgo, Juliet Rucovsky y Martin De Mauro  

Las chicas malas ven lo que quieren

Históricamente, pornografía y feminismo han sido dos palabras irreconciliables entre sí. Sin embargo, en el Norte existe una incipiente industria de cine hardcore con perspectiva de género. Incluso el Estado sueco acaba de subvencionar doce cortos triple X y feministas.

Por Milagros Belgrano Rawson

¿Pornografía feminista? Para Andrea Dworkin (fallecida en el 2005), la industria porno era lisa y llanamente un sindicato de violadores destinado a legitimizar la violación, el maltrato a las mujeres y la supremacía masculina. Sin el radicalismo de la controvertida feminista norteamericana, para muchas y muchos, la propuesta de una industria XXX que invierta el desequilibrio entre los géneros que se le achaca al porno tradicional sigue siendo poco más que un bonito oxímoron. Sin embargo, en los últimos dos años, en el Norte una incipiente industria de cine erótico y hardcore que considera a las mujeres como espectadoras está tomando forma. En enero próximo cierra la inscripción de la quinta edición de los Feminist Porn Awards, con sede en Canadá y que premian a toda persona cuyo trabajo en cine o video ofrezca una alternativa innovadora a todos aquellos y aquellas que no se sientan representados en la pornografía mainstream. Mientras, del otro lado del Atlántico, en la helada y políticamente correcta Suecia, ha sido el mismo Estado el que tomó cartas en este asunto. En nombre de la creación artística y la igualdad entre los sexos, el Instituto Sueco del Cine subvencionó la realización y distribución de Dirty Diaries (Diarios sucios), una colección de doce cortometrajes triple X realizados por mujeres y estrenado en septiembre pasado bajo una lluvia de elogios y críticas. Los ataques más virulentos vinieron de Beatrice Fredriksson, miembro del Partido Moderado y autora de un blog antifeminista. “La idea de pornografía feminista puede ser atractiva para algunos, pero el Estado no tiene por qué gastar medio millón de coronas (casi 70.000 euros) para financiar su producción”, afirma Fredriksson en su blog. Y declara que el hecho de que el gobierno “decida que el porno feminista es arte pero que el porno tradicional es reprobable no es nada más que una moralina paternalista que envía mensajes incorrectos en el debate sobre la igualdad”.
Por su parte, para Mia Engberg, documentalista de 38 años y autora del proyecto, Dirty Diaries busca que las propias mujeres filmen el placer y la sexualidad femenina, lejos de los clichés de una industria dominada por los hombres y en el marco de una iniciativa feminista. En el 2002, Engberg filmó su primera película erótica, donde narraba el deseo de una mujer por su profesora de natación. Dos años más tarde, volvía a presentarse en el Festival de Cine de Estocolmo con un corto filmado con la cámara de un celular que mostraba los rostros de varias mujeres durante el orgasmo. El film fue colgado en Internet y provocó una fuerte reacción. “Muchas eran negativas”, explicaba la misma Engberg hace un par de meses en una columna del diario The Local, dirigido a la comunidad anglófona de Escandinavia. “La mayoría de los hombres decían ‘Qué feo, ¿No hubieran podido al menos ponerse algo de maquillaje?’.” Para la realizadora, estas críticas eran la prueba de que los hombres necesitan ver más mujeres disfrutando en la cama. Mujeres verdaderas, y no Barbies liposuccionadas. “Los comentarios negativos me parecieron interesantes porque mostraban que todavía se cree que la mujer y su sexualidad deben complacer solamente al espectador”, indicaba en su columna. A Engberg, que se define como “una feminista comprometida”, la combinación de feminismo y porno dejó de hacerle ruido el día en que descubrió que “me había convertido en víctima de mi oposición. Me prohibía la pornografía cuando justamente quería consumir estas películas, pero hechas de otra manera”.
Pero ¿qué es la pornografía feminista? La pregunta no es fácil de responder, sobre todo porque se inscribe en un proyecto que todavía no ha salido de la etapa experimental, hecho de forma aislada y casi sin dinero por mujeres de distintas partes del mundo. Sin embargo, las realizadoras parecen coincidir en que se trata de demostrar que las mujeres tienen el mismo derecho de los hombres a consumir diversión erótica, y que ésta debe filmarse de acuerdo con sus deseos y gustos. Y estos incluyen pero no se limitan a la poesía visual y al pornosoft. De hecho, Dirty Diaries contiene escenas hardcore, en sus variantes heterosexual y homosexual. “Como lesbiana, para mí era importante mostrar que se puede hacer pornografía saliendo del esquema habitual que reduce el rol de la mujer al de un objeto”, declaraba al diario francés Libération la cineasta Asa Sandzen, cuyo corto, Dildoman (Hombre vibrador), integra Dirty Diaries. En este corto de animación, dos mujeres gigantes transforman al cliente de un club de strippers en un juguete sexual, al que usan de todas las formas imaginables y terminan por romperlo. “Quiero retirarle el brevet del exhibicionismo a los hombres y mostrar que las mujeres no tienen por qué encasillarse en roles de chicas buenas y bien educadas”, explicaba, por su parte, Joanna Rytel, cuyo corto muestra a su realizadora masturbándose en el balcón de un hotel, en un café y en el andén del subte parisino. “Estamos hartas del cliché que dicta que las mujeres sexualmente activas son o locas o lesbianas y, por ende, también locas”, declara el Manifiesto de Dirty Diaries en su sitio web. “Queremos ver y hacer películas donde Betty Blue, Ofelia y Thelma & Louise no tengan que morir en el final.”

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La Condesa Sangrienta ilustrada

Illustrated Book : ''La Condesa Sangrienta'' 2009

Written by Alejandra Pizarnik          Illustrated by Santiago Caruso   

http://galleries.santiagocaruso.com.ar/the-bloody-countess.html

versiones XLIV (x3): Pixies/Placebo/???

Pixies - Where Is My Mind  1988
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